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Jun 25, 2023

The Daily Heller: Japanische Kunst, die vor Energie und Hommage sprüht

Die meisten Amerikaner kennen die Arbeit von Tadanori Yokoo. Sein pyrotechnisches Design (insbesondere Poster und Bücher) spiegelt die psychedelischen 60er und 70er Jahre wider und geht darüber hinaus. Er wurde 1936 geboren und ist einer der bedeutendsten Japaner

Die meisten Amerikaner kennen die Arbeit von Tadanori Yokoo. Sein pyrotechnisches Design (insbesondere Poster und Bücher) spiegelt die psychedelischen 60er und 70er Jahre wider und geht darüber hinaus. Er wurde 1936 geboren und ist einer der international anerkanntesten Avantgarde-Theaterdesign- und Grafikkünstler Japans. Yokoos Frühwerk zeigt den Einfluss von Push Pin Studio, insbesondere in seiner Explosion leuchtender Farben und fantasievoller Formen.

Allerdings handelt es sich hierbei nicht um eine Geschichte über Yokoo, sondern um einen verwandten japanischen Künstler, der zufällig 1936 geboren wurde und den Yokoophilen hier in den Vereinigten Staaten weniger bekannt ist – obwohl ich davon ausgehe, dass dies nicht lange der Fall sein wird. In weniger als einem Monat wird Keiichi Tanaami die längst fällige Aufmerksamkeit erhalten.

Der 86-jährige Tanaami, eine führende Persönlichkeit der japanischen Kunstszene der Nachkriegszeit und Begründer der japanischen Pop- und Superflat-Bewegungen, wird in der vielseitigen New Yorker Galerie Venus Over Manhattan eine „optisch umwerfende Suite“ neuer großformatiger Gemälde uraufführen. Keiichi Tanaami: Manhattan Universe (8. September – 8. Oktober) wird dank Tanaamis energiegeladenen Experimenten mit Bildformen, die durch die Verschmelzung japanischer und amerikanischer kultureller Einflüsse (einschließlich Anspielungen auf Psychedelika und Underground-Comics der 60er Jahre) angeregt werden, ein absoluter Hingucker sein von Leuten wie Rick Griffin und Victor Moscoso) sowie seine charakteristische Farbintensität, unermüdliche grafische Kraft und einzigartige Fenstervignetten. Die Galerie wird außerdem Animationen und ein Dutzend monumentale Leinwände präsentieren und so einen Vorgeschmack auf die europäische Museumsumfrage des Künstlers im Jahr 2023/2024 geben.

Wie die Galerie feststellt: „Tanaamis Werk erlangte in den 1960er Jahren Berühmtheit und spiegelte den Einfluss der Manga-Bilder, der Neo-Dada-Bewegung in Japan“ und die Erfahrungen seiner Kindheit während des Zweiten Weltkriegs wider. Verweise auf den Krieg sind ein wiederkehrendes Motiv in Tanaamis Werken, in denen häufig Luftangriffe, Leuchtraketen und weiße Lichtstrahlen aus der Detonation von Sprengstoffen zu sehen sind. Seine Gemälde sind auch stark von seinen Kindheitserinnerungen an Kamishibai – öffentliche Theaterproduktionen für japanische Kinder – beeinflusst. Tanaamis Werk zeichnet sich durch die Art und Weise aus, wie es kommerzielle Bilder aus der westlichen Kultur mit traditionell japanischen Grafikstilen, einschließlich Manga und Holzschnitt, einander gegenüberstellt.

„Indem er die Spannung zwischen unterschiedlichen Kräften wie Ost und West, Gewalt und Unschuld sowie kommerzieller Bildsprache und hoher Kunst erforscht, hat sich Tanaami als Formgeber für nachfolgende Generationen arbeitender Künstler erwiesen.“

Tanaamis Arbeit für diese Ausstellung ist jedoch nicht ausschließlich diese Pop-Explosion, sondern schlägt in seinem aktuellen Schaffen eine ganz andere, wenn auch ironische Richtung ein. Während COVID schreibt er in den Materialien der Galerie: „Ich habe meine Tage untätig verbracht. …Mich überkam das Gefühl, dass ich etwas tun musste.“ Tanaami entwickelte eine große Vorliebe dafür, Reproduktionen von Picassos Gemälde „Mutter und Kind“ (Mère et enfant) aus dem Jahr 1943 anzufertigen.

„Ich habe das Gefühl, dass der einfache Prozess des Kopierens von Farben und Formen, ohne dass man sich auf irgendeine Form von Versuch oder Irrtum einlassen muss, der Praxis des Sutra-Kopierens ähnelt, die ich einmal erleben durfte. Ich war überrascht, dass die Malerei allein als Mittel zur inneren Ruhe, ohne feste Absichten, Fristen oder Ausstellungspläne, zu solch einer achtsamen Befriedigung führen würde. Diese wunderbare Zeit dauert immer noch an, und auch heute bin ich wieder besessen von Picasso, während ich die Projekte, an denen ich arbeiten sollte, beiseite lasse.“ Das Ergebnis ist, als hätte ein ganz anderer Künstler diese spannenden Hommagen gemalt.

Steven Heller schreibt seit den 1980er Jahren für PRINT. Er ist Co-Vorsitzender von SVA MFA Designer als Unternehmer. Als Autor, Co-Autor und Herausgeber von über 200 Büchern über Design und Populärkultur ist Heller außerdem Träger des Smithsonian Institution National Design Award für „Design Mind“, der AIGA Medal for Lifetime Achievement und anderer Auszeichnungen. Er war 33 Jahre lang leitender Art Director bei der New York Times und außerdem Autor von Nachrufen und Buchrezensionskolumnist für die Zeitung. Seine Memoiren „Growing Up Underground“ (Princeton Architectural Press) wurden 2022 veröffentlicht. Einige seiner jüngsten Essays sind in „For the Love of Design“ (Allworth Press) gesammelt.