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Jun 23, 2023

Der wilde Stolz und die Leidenschaft der Strassmode

In dieser Folge von „Re:Frame“ untersuchen Kuratoren des Smithsonian die Absicht und Wirkungsweise hinter der Kleidung, die wir tragen. Anne Showalter Die zeitgenössische Künstlerin Mickalene Thomas ist vor allem für sie bekannt

In dieser Folge von „Re:Frame“ untersuchen Kuratoren des Smithsonian die Absicht und Wirkungsweise hinter der Kleidung, die wir tragen

Anne Showalter

Die zeitgenössische Künstlerin Mickalene Thomas ist vor allem für ihre großformatigen Gemälde schwarzer Frauen bekannt, die vor auffällig gemusterten Hintergründen posieren und mit Strasssteinen verziert sind. Ihr Porträt von Mnonja aus dem Jahr 2010 veranschaulicht den charakteristischen Stil der Künstlerin und zeigt eine markante weibliche Figur, die auf einer Couch liegt.

Besucher, die den Weg in die hohe Galerie im dritten Stock des Smithsonian American Art Museum finden, versammeln sich immer wieder um dieses Gemälde, fasziniert von seinen leuchtenden Farben und angezogen von seinem Motiv – einer eleganten und selbstbewussten afroamerikanischen Frau.

„Sie besitzt und beansprucht ihren Raum, was sehr aufregend ist“, verrät die Künstlerin 2017 in einem SAAM-Interview. Die Frau ruht mit gekreuzten Knöcheln auf der Armlehne des Sofas und ihre fuchsiafarbenen High Heels baumeln über der Kante. Ihre rechte Hand ruht auf ihrem Knie und ihre Finger erinnern an die beneidenswerte Kombination aus Stärke und Anmut eines Tänzers. Mnonja strahlt einen Hauch von Kraft und Eleganz aus und strahlt buchstäblich von Kopf bis Fuß – ihre Haare, ihr Make-up, ihr Schmuck, ihre Kleidung, Fingernägel und Schuhe glänzen mit Strasssteinen.

Das Porträt von Mnonja ist das Thema der nächsten Folge von „Re:Frame“, in der der Zusammenhang zwischen Stil und Identität untersucht wird. Was sagt die Art und Weise, wie wir uns kleiden und uns der Welt präsentieren, über uns aus und darüber, wie andere uns sehen?

Diana Baird N'Diaye, Kulturspezialistin und Kuratorin am Smithsonian Center for Folklife and Cultural Heritage, die sich seit langem mit der Art und Weise beschäftigt, wie Stil und Schmuck Identität vermitteln, erklärt: „Wir kleiden uns nach einer Ästhetik im Hinterkopf, nach einer Vorlage.“ Geist. Vielleicht ist es die Gemeinschaft, mit der wir uns identifizieren. Vielleicht ist es die Musik, mit der wir uns identifizieren. Vielleicht liegt es daran, woher wir kommen ... unser Status oder der Status, den wir anstreben ... Ich sage immer: Auch wenn du nichts außer T-Shirts und Jeans trägst und denkst: „Ich ziehe mich aus irgendeinem Grund wirklich nicht an, „Du ziehst dich immer mit einer Vorstellung von deiner Identität an und weißt, wie du sie auf andere projizierst.“

Ein besonderer Schwerpunkt von N'Diaye ist ein Projekt, das sich mit afroamerikanischer Kleidung und der Ästhetik kultureller Identität befasst: „Eines der wichtigsten Dinge, die meiner Meinung nach afroamerikanische Kleidung auszeichnen, ist ihre Absicht und ihre Wirkung … dort.“ Es gibt viele, viele Ästhetiken in der afroamerikanischen Gemeinschaft. Es gibt nicht nur einen, aber wenn man nur an der Oberfläche kratzt, dreht sich bei ihnen alles um das, was Zora Neale Hurston einst „den Willen zum Schmücken“ nannte, einen der wichtigsten Teile des afroamerikanischen Ausdrucks. Es ist also auch eine Kunstform.“

Stil, Identität und Handlungsfähigkeit sind grundlegende Themen in der Arbeit von Mickalene Thomas. „Sie ist wirklich daran interessiert, positive Bilder von schwarzen Frauen zu präsentieren, die Vorstellungen von Identität, Sexualität und Macht erforschen“, sagt Joanna Marsh, Leiterin der Abteilung Interpretation und Publikumsforschung des Museums. „Außerdem interessiert sie sich sehr für Stilvorstellungen und Selbstgestaltung.“ Tatsächlich geht Thomas‘ Verbindung zur Mode zum Teil auf ihre persönliche Biografie zurück. Ihre Mutter, Sandra Bush, arbeitete in den 1970er Jahren als Model in New York und war die erste Muse der Künstlerin.

Der künstlerische Prozess von Thomas umfasst das Konzept des „Willens zum Schmücken“. Ihre Arbeit beginnt normalerweise mit einem Fotoshooting. Sie lädt ihre Motive, von denen viele eine persönliche Beziehung zur Künstlerin haben, ein, „in ihr Atelier zu kommen, sich zu verkleiden oder sich stylen zu lassen und dann in einer von ihr geschaffenen Umgebung zu posieren ... einer Art Tableau oder Bühnenbild, wenn man so will.“ “, erklärt Marsh. „Diese Fotosession wird zu einer Art Performance. Nicht unähnlich der Art und Weise, wie wir alle auftreten, wenn wir uns morgens anziehen, in die Öffentlichkeit gehen und uns der Welt auf eine bestimmte Weise präsentieren.“

Thomas nimmt dann die Fotos, die aus diesen Sitzungen entstehen, und erstellt Fotocollagen; Aus diesen Collagen entstehen schließlich großformatige Gemälde aus Acryl, Emaille und Strasssteinen.

Warum Strasssteine? Auf einer Ebene ist dieses nicht-traditionelle Element eine Anspielung auf Künstlerinnen, die in ihrer Arbeit in der Vergangenheit handwerkliche Materialien verwendet haben, und auf Außenseiterkünstler, die Alltagsgegenstände als Medium verwenden.

Aber die Entstehungsgeschichte für das Vorhandensein von Strasssteinen in Thomas' Werk hängt auch mit wirtschaftlichen Faktoren zusammen. Als sich Thomas als Kunststudentin traditionelle Malutensilien wie teure Farben nicht immer leisten konnte, begann sie, relativ preiswerte Materialien in örtlichen Kunsthandwerksläden zu kaufen: „Ich fing an, zu Michaels Kunsthandwerksläden zu gehen, weil ich mir Filz und Garn und diese kleinen Tüten mit Strasssteinen leisten konnte und Glitzer ... Ich begann, mir diese Materialien anzueignen und Bedeutungen und Möglichkeiten zu finden, sie in meiner eigenen Arbeit zu verwenden, um mich selbst zu identifizieren.“

„Mit der Zeit wurden diese Strasssteine ​​zu einer Art charakteristischem Element ihrer Arbeit“, bemerkt Marsh. Sowohl im wörtlichen als auch im übertragenen Sinne fügen die Strasssteine ​​der Kunst von Thomas eine Ebene hinzu: „Grundsätzlich sind sie eine Art dekoratives Element. Sie sind aber auch ein Symbol für die Art und Weise, wie wir uns schmücken.“

Mit den Worten der über 100 Jahre alten Stilikone Iris Apfel: „Mode kann man kaufen, aber Stil besitzt man.“ Der Schlüssel zum Stil liegt darin, zu lernen, wer man ist … Es geht um Selbstdarstellung und vor allem um Haltung.“

Wir lernen unter anderem, wer wir sind, indem wir uns selbst in historischen und populären Erzählungen widerspiegeln, sei es ein Lehrbuch, eine Fernsehsendung oder eine Kunstausstellung.

Historisch gesehen wurden schwarze Frauen in diesen Erzählungen stereotypisiert, marginalisiert oder fehlten ganz. Thomas ist sehr daran interessiert, ein integrativeres Museumsumfeld für junge farbige Menschen zu schaffen, damit „sie sich selbst sehen, wenn sie hier stehen.“

Auf diese Weise ist „Portrait of Mnonja“ sowohl ein meisterhaftes Gemälde als auch ein glänzendes Beispiel für die Absicht und Handlungsfähigkeit, die dem afroamerikanischen Ausdruck zugrunde liegen.

Das Porträt von Mnonja aus dem Jahr 2010 von Mickalene Thomas ist im dritten Stock des Ostflügels des Smithsonian American Art Museum in Washington, D.C. zu sehen

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Anne Showalter ist Spezialistin für digitale Interpretation am Smithsonian American Art Museum.